Художники с давних времен создавали мозаики, применяя ее для украшения зданий и фиксации изображений, выражающих их чувства. Поэтому для них было важно использовать материалы, которые обеспечили бы долговечность произведениям. Роспись стен, как известно, не долговечна. По этой причине художники еще в древности стали применять технику росписи по влажной извести так, чтобы краска и известь входили в реакцию кристаллизации еще во влажном состоянии и становились единой крепкой структурой. Появлению такой техники послужила необходимость использования прочных материалов для украшения и отделки стен, подверженных атмосферным влияниям, и существование таких стен, которые необходимо было расписывать не первый раз.
Мозаика всегда оказывает впечатление монументальности не только потому, что она является частью твердой поверхности, на которой она закреплена, но также и потому что она износоустойчива. Для придания яркости и живописности в мозаичных работах фигуры изображались не с помощью красок как в живописи (получаемых путем смешения глины и химических материалов, разбавленных водой или маслом или с использованием клея и фиксирующих веществ), а с помощью маленьких, тонких элемениов схожих форм, в той или иной степени упорядоченных, сделанных из прочных материалов (камня, мрамора, терракоты, стекла, смальты), расположенных рядом друг с другом. Эти фрагменты, называемые у Греков abakiskoi (квадратики) и у Римлян abaculi/tesserae, в дальнейшем будем именовать «кубики»; работы, составленные из таких кубиков, называлась у Римлян opus tessellatum. В то время такие кубики крепились на стены при помощи мастики или цемента. Художники закладывали их в еще сырой строительный раствор, иногда следуя ранее намеченному рисунку. Они размещали элементы по своему вкусу с учетом окружающей обстановки так, чтобы попадающий свет давал необыкновенные переливы и отражения на поверхности. Но такой эффект достигался только при использовании гладких и блестящих материалов таких как: стекло, смальта, твердые камни.
В своих работах мастера также использовали золото для подготовки основного фона или для выделения деталей. При использовании золота в мозаичных работах художники прибегали к различным ухищрениям. Так они стали использовать кусочки стекла и тончайшие листы драгоценных металлов для изготовления особенных мозаичных элементов. При изготовлении этих элементов мастера покрывали листы драгоценных металлов кусочками стекла и закладывали заготовки в специальную печь, где материалы при температурном воздействии становились единым целым. В Римской Империи смесь для укладки мозаики изготавливали из пуццолана, мраморной или кирпичной крошки, гашеной извести с добавлением воды, пропорции при этом зависели от целей работы и от условий среды, в которых она выполнялась. Этой смесью заливали основание для будущей мозаичной картины, наносили рисунок и оставляли сохнуть. Наиболее распространенная техника в древние времена заключалась в заполнении основания мозаики слоем гипса (той же толщины, что мозаичные элементы), на который наносили очертания необходимых фигур. После высыхания гипс аккуратно снимали и в образовавшееся углубление заливали довольно жидкий цемент. На него клеили мозаичные элементы, завершающие изделие. Поэтому на многих античных мозаиках, украшающих полы, остались белые следы гипса, не служившего склеивающим веществом.
На смену эпохи opus musivum пришло кустарная мозаичная работа. Во избежание долгих укладочных работ каждого элемента мозаики ремесленники приклеивали мозаику с помощью клея на водяной основе на лист бумаги (как это делают до сих пор), на котором уже был нанесен рисунок. Потом полотно укладывали на влажную штукатурку так, чтобы лист бумаги остался на поверхности. Когда раствор высыхал, бумагу снимали с помощью воды, после чего устанавливали панно.
По форме элементов мозаики можно определить тип, к которому она относится. Многие названия разновидностей мозаичной техники, использовавшейся в античности, были придуманы Римлянами. Среди типов техники выделяют:
- opus alexandrinum в основе техники лежит использование мелких осколков четырехугольной формы, черного и белого цветов, небольшой толщины, уложенных в соответствии с рисунком на одноцветную основу, чаще всего красного цвета;
- opus tessellatum состоит из фигур собранных из однородных, ровно разрезанных четырехугольных элементов;
- opus vermiculatum состоит уже не только из кубических мозаичных элементов, но и элементов различной формы, размещенных на движущихся, волнообразных линиях, окаймляющих фигуры. Данная техника совершенно не похожа на традиционную римскую античную. При работе использовались такие материалы, как мрамор, смальта и такие камни, как лазурит, яшма, сердолик, алебастр, агат, оникс, а также стекло и крайне редко использовалась терракота. Элементы художник подбирал на свой вкус, приспосабливая размеры и формы к фигурам композиции, чтобы получить различные эффекты и правильные тона;
- opus signinum (от названия города Синьи, регион Лацио, где добывали известняк для работы в этой технике) техника применялась исключительно для украшения полов. Является типичным примером живописи исполненной посредством искусственных материалов. Opus signinum направление зародилось в Древней Греции, римляне относили его к так называемому стилю pavimentum barbaricum, т.е. более бедный и простой стиль в декорации пола. Для укладки пола используют мелкие камешки, хаотично разбросанные или выложенные по простейшим рисункам, залитые раствором из извести или глины. В древности такой раствор делали из глиняной крошки и извести, что предавало ему красноватый цвет, и называли его pavimentum testaceum. Этот раствор с добавленными в него кусками порфира и мрамора называли opus segmentatum. Opus segmentatum встречается в базиликах и колокольнях города Акуилейа, построенных в I веке Римской Империи.
- opus sectile отличается совершенно не похожей на другие техникой изображения приближенной к живописи. Для работы используется мрамор различных цветов, иногда используются твердые камни, элементы из которых вырезаны в соответствии с контурами выложенных из них фигур. Фигуры были выполнены из крупных элементов, не имели светотеней во всех зонах кроме изгибов и складок на одежде, так работа казалось нарисованной крупными мазками.
Итак, примитивная обработка пола заключалась в утрамбовке известняка или гипса. В итальянском языке эта техника получила название «pavimenta», от латинского слова «pavio» или греческого «paio», обозначающих «бить», «ударять». К такой отделке относятся все типы техники opus signinum.
Усовершенствованной техникой обработки пола считается укладка мелких каменных элементов, составляющих его поверхность. Такие полы относятся к так называемому типу lithostrotum. Термин lithostrotum происходит от соединения двух греческих слов: «lithos»- камень, «stroo»- укладывать. Для укладки использовался любой каменный материал. Укладка пола большого количества различных сооружений античной постройки, сохранившихся до наших дней, выполнена по данному типу.
Довольно распространено было украшение пола эмблемой, располагавшейся в центре его поверхности. Окружавшую ее часть пола украшали орнаментами, чаще всего геометрическими. Наиболее известные из сохранившихся эмблем конца III века до н.э. это: «Бродячие музыканты» в Помпеях и «Не убранная комната» сейчас находится в Музее Латеранского Апостольского Дворца в Риме, служившего ранее резиденцией римских пап.
Античные мастера мозаики всегда стремились сделать свои работы как можно более похожими на живопись. Для достижения своих целей они использовали различные материалы: мрамор, минералы и горные породы камней, ракушняк, стекло, терракота, перламутр и смальта. Добивались эффекта схожести с нарисованной картиной двумя способами: дробили используемый материал до мельчайших частиц в несколько миллиметров (микрографика); или же использовали большие куски материала, чтобы покрыть одним элементом большую часть поверхности. Но ни одним из этих способов не удалось добиться того результата, который дало позже использование натуральных красок, изготовленных из каменной крошки.
Глава 2. Мозаика: восточное искусство.
Все ученные- исследователи сходятся во мнении, что мозаика пришла с Востока, но момент ее появления трудно установить. Великолепие мозаичного полотна вызывает впечатление у всех видящих его. Способность, с которой удавалось мастерам выложить различные элементы на рабочую поверхность так, чтобы вся работа приобрела красивый и загадочный блеск, стала отличительной чертой данного вида искусства.
Известно, что семитский народ халдеи уже в 2500 году до н.э. использовали мозаику. Очень часто в халдейской архитектуре обнаруживают стены, сделанные из глины, украшенные интересными фрагментами из мозаики ярких цветов. Мозаика состояла из множества конусовидных элементов из глины, выкрашенных в своем большинстве в тот же цвет, что и стена, с черным или красным основанием. Иногда на поверхности детали выкрашивали в желтый цвет, что придавало изображению необычности.
Самая древняя мозаика была найденная в месте Ур (Месопотамия), на которой изображено празднование победы. В месте Урук (современный город Варка в Ираке) был обнаружен фундамент древнейшего дворца, сделанный из блоков известняка, а также зиккурат Еанна. В ходе раскопок, закончившиеся в конце XIX века, были обнаружены гробницы и предметы, несущие важную археологическую ценность, одними из которых были две прямоугольные панели: первая была горизонтально разделена на три части, на которых были изображены военные сцены; вторая также была горизонтально разделена на три части, где изображались сцены мирной жизни. Каждая из трех частей панелей обрамлялась кантом из ракушек, элементов различных форм, сделанных из камня, перламутра и глины. Изображения на плитах были кривые, но хорошо обработанные и уменьшены в толщине. Элементы крепились на деревянную плиту с помощью битума.
Найденные археологические находки привлекают к себе не только архитектурный интерес, но и являются важными историческими деталями. Они характеризуют восприятие и умение его выражать у народов этих мест, документы и произведения которых почти не сохранились до наших дней.
Рамки, сделанные из маленьких четырехугольных элементов, встречаются и в относительно современных мозаичных произведениях. Такая техника украшения является отличительной чертой шумерской цивилизации, оставшаяся актуальной многие века.
Египтяне украшали мозаикой дворцы и храмы; использование смальты в мозаике началось в правление еще первых египетских династий. При царе Толомеи III стеклянная промышленность в Египте развивалась быстрыми темпами. Известно, что диктатор Сиракуз Гиерон II решил направить корабли отделанные мозаикой по мотивам поэмы «Илиада» императору Толомею в Александрию. Император Толомей увидел в этом желание показать превосходство в технике римских мастеров над египетскими и в ответ отправил в Италию корабль с мозаичной отделкой своих мастеров. Так в Италии появились смальта и стеклянная мозаика появились в Италии.
Из Александрии мозаичное искусство распространилось в Сирии ( почти безуспешно), в Малой Азии и Византии (где получило большое развитие), в Грецию и Италию.
Наиболее интересные работы из стеклянной мозаики- это купол Скалы в Иерусалиме и Большая мечеть в Дамаске. Это разноцветная мозаика с цветочными мотивами, фоном из сусального золота.
Мрамор и другие породы камней использовались на Востоке в Средневековье для отделки пола. Стеклянная мозаика для этих целей не использовалась в виду ее непрактичности. Стекло же в мозаичных работах стали использовать намного позже для украшения стен.
Цветная керамика, из которой делали элементы для украшения стен, восходит к XII веку, появилась в искусстве Османской Империи. В Голубой мечети в Тебризе хранятся мозаичные панели датированные 1437 и 1477 годами.
С развитием коммерции мозаичное искусство распространилось на Дальний Восток. Так в некоторых китайских постройках стены украшены мозаикой. В Индии мозаика появилась в период исламского влияния около X века. Распространилась это искусство исключительно в жарких регионах страны, так как климат остальных был крайне не благоприятен. В качестве украшения использовались изразцы и техника энкаустики. Впервые изразцы были использованы в Индии в отделке форта Джаунпур, позже несколько изразцов снятых с форта стали украшением надгробия Шихандар Лоди, умершего в 1517.
В индийском искусстве изразцы использовались еще в XVI веке; позже появляются мозаичные элементы из камня, завезенные, скорее всего, из Персии. В форте Лахор в начале XVII века мозаичные панно с военными сценами, солдатами и слонами исполнено из различных камней. С 1556 по 1605 годы во времена царства Акбар, и с 1605 по 1627 годы во времена царства Джахангир, такие декоративные элементы были распространены, но позже им на смену пришла техника интарсио.
Глава 3. Рим- столица мозаики.
В Риме мозаичное искусство существует со времен третье пунической войны (149- 146 до н.э.); позже это искусство получило широкое развитие во времена Римской Империи.
Римляне были грандиозными художниками. Это очевидно для тех, кто может оценить фрески в домах Помпей и Эрколано, или фрески римских вилл и императорских дворцов.
Манера, в которой были исполнены римские произведения, имела эллинистический и восточный уклон. В этом прослеживаются отношения, которые были налажены с Грецией и Востоком. В мозаиках, сохранившихся до наших дней, присутствуют различные формы украшения полов и стен, фигурные или же геометрические. Превалирующая для мозаики техникой стала выполненные из четырехугольных элементов полотна в различных вариациях. Разнообразия цветовой гаммы римляне добивались использованием различных типов мрамора и стекла, крайне редко использовались элементы из сусального золота. Зачастую простые, традиционные, не несущие большой важности орнаменты при укладке пола выполняли обычные ремесленники, когда-то научившиеся этому мастерству.
Огромное количество мозаики с изображением фигур было обнаружено при раскопках в Помпеях, большинство из них приходится на знаменитый Дом Фавна I век до н.э. Эти композиции помогают определить этапы развития мозаичного искусства. Самым известным классическим примером является панель «Битва Македонцев с Персиянами» IV века до н.э.
Другая мозаика «Море с рыбами» также из Помпей, сейчас находится в Национальном музее Неаполя. Автор мозаики- великий художник, прекрасно владевший техникой натюрморта и использовавший мозаику как средство выражения чувств, такое же как живопись. Он оставил бесценное художественное наследие.
Мастера мозаики поняли, что стекло отлично подходит для отделки неровной поверхности, чтобы изобразить натурально детали картины, например такие, как чешуя, перья птицы, шерсть кота. Изображение животных часто встречаются в античной живописи. Связанно это со стремлением изобразить пейзажи и натюрморты в работах.
Важное место в художественной мозаике римлян занимают картины морской жизни с ее обитателями. Одним из знаменитейших панно с морскими мотивами является «Битва осьминога с лангустом», находящаяся в Доме Фавна в Помпеях. Картина составленная из элементов разной величины и расставленных аккуратно, в соответствии с самой продвинутой техникой того времени. На картине также правдоподобно изображены различные рыбы, что позволило ихтиологам узнать о морской среде того периода. Феномен мозаики заключается в возможности достаточно реалистично изобразить воду и чешую за счет переливов света на гладких элементах и различных цветов. Такого рода композиции были очень востребованы богатыми римлянами, виллы и дома аристократии украшены подобными творениями. Хотя критики говорят о неправдоподобности изображенных мозаикой форм и деталей, неоспорим тот факт, что игра таких материй, как мрамор и стекло, создает впечатление глубины пространства, изображающего морское дно. Существует малое количество произведений из мозаики, великолепия, реалистичности в которых можно было бы достичь другими художественными средствами.
Облицовка бассейнов множества римских вилл мозаикой создает неповторимое ощущение переливов и необычного мерцания. Укладка полов мозаикой была распространена не только в богатых домах, но и в скромных жилищах, что говорит о большой любви к этой материи, которая полностью меняла внешний вид помещения.
Мозаика итальянской коммуны Палестрины, располагающейся в регионе Лацио, представляет огромное значение для истории мозаики, как примеры аутентичной эллинистической живописи. Находится это напольное произведение в Храме Фортуны Примигении и называется «Нильский пейзаж» или «Мозаика Барберини». Проведенные исследования доказали, что эта мозаика имеет Александрийское происхождение, качество камней и техника исполнения элементов подтверждает принадлежность к александрийской мозаике. Само представление египетских пейзажей на картине, указывает на позднее эллинистическое искусство. Картина реставрировалась несколько раз: первый в 1640 году по приказу кардинала Франческо Барберини; второй раз реставрация прошла в Риме, и в 1855 году картина была возвращена в Палестрину. Сейчас для исследователей она представляет огромный интерес, как произведение, наглядно выражающее эволюцию мозаичного мастерства в итальянской культуре. Аутентичные части этой мозаики, выложенные еще в античные времена, когда представление людей и рисунок были еще достаточно примитивными, сочетаются с отреставрированными фрагментами художниками более позднего времени, когда искусство стало более зрелое.
Характерной чертой в мозаичном искусстве I века до н.э. стало ее обеднение с точки зрения рисунка и фактуры, произошедшие из-за повсеместного распространения этого вида декоративного искусства. Рим не стал исключением. Не было ни одного дома, который бы не был украшен мозаикой- полы, стены- но настоящие произведения искусства, выполненные мастерами своего дела, стали редкостью, так как стоили очень дорого. В тот период была распространена имитация произведений, но без тщательной проработки деталей и без аккуратности в ее выполнении. До I века до н.э. мозаика считалась предметом роскоши, мало кто мог ее себе позволить. Понадобилось время, чтобы она появилась в дома простых людей. Все началось с замены цементной смеси мозаикой при укладке напольного покрытия. Вначале полы украшали незатейливыми геометрическими рисунками, позже стали использовать в работах центральные главные элементы, обрамляя все декоративными рисунками. В цвете в основном преобладал белый и оттенки черного, изредка встречалось многоцветие. Со временем искусство мозаики становилось все более и более популярным и у простых людей, увеличилось использование мозаичных работ при отделке домов. С 40 года до н.э. Рим стал главным центром производства мозаики.
Декоративные элементы становились все богаче и богаче. Эмблемы и сюжеты становились менее популярными в мозаике, им на смену пришло множество других элементов. В мозаике начали появляться фигуры животных, людей в черном цвете на белом фоне. Типичный пример таких произведений- мозаики Остии (район Рима на берегу Тибра). Мозаика этого района является ярким примером декоративного стиля этого периода. Техника обработки остийской мозаики была единая: основание выкладывали 20-25 сантиметровыми кусками туфа, которые заливали 5 сантиметровым раствором штукатурки, поверх которой ложился еще более тонкий слой пуццолана в 0,5 сантиметров, все это закрывал слой мозаичных элементов разной длины и ширины. Основным цветом был темно-серый. Позже в III и IV веках н.э. в работах стали появляться красные, желтые, зеленые и голубые цвета.
Жители Остии не были требовательны к отделке своих жилищ. Богатые буржуа на протяжении всего имперского периода не украшали свои дома роскошной мозаикой, они не стремились превратить внутренние помещения в источник эстетического удовлетворения. Исключением является только Императорский дворец с термами (Palazzo imperiale), богато украшенный монументальный дворец. Он декорирован разноцветной и черно-белой мозаикой. Этот дворец вдохновил местных мастеров на появление нового стиля в мозаичных работах. Здания Остии стали украшать работами с цветочными мотивами и изображением фигур.
Мозаика Остии больше интересна как отражение определенного периода, чем как живопись и эмоциональное выражение в искусстве. За исключением больших произведений, большинство мозаики очень скромное и простое, что подтверждает, что ее использование было обусловлено высокой практичностью и долговечностью.
В начале V века н.э. стали возводить меньше зданий, поэтому снизилось количество мозаичных работ, в римском искусстве стали преобладать реставрационные работы. В работы прошлых лет стали добавлять больше цветовых оттенков, что было связанно с произошедшими изменениями в политике и религии.
Еще во II веке н.э. появились школы мозаичного искусства в провинциях Рима, которые продолжали эллинистические традиции. Позже с развитием этих школ стали изменяться и традиции, существовавшие в мозаике ранее. Геометрические элементы уступили свое место цветочным мотивам и работы уже стали многоцветные, ранее полихромия была присуща лишь только эмблемам.
С Указом Константина от 313 года н.э. об объединении церкви с государством в мозаике впервые появились христианские мотивы, и с этих пор напольная мозаика стала украшением христианских церквей.
Впоследствии мозаикой стали украшать памятники, облицовывать фонтаны и колонны. Применение твердых камней не было еще сильно распространено, но уже широко использовалось стекло, как это было в Греции.
Глава 4. Римское наследие.
Широкая экспансия римского влияния в Африке, особенно в колонии Триполитания, оставила след и в мозаичном искусстве. Великолепная полихромная в сочетании с монохромной мозаикой сохранились в «Доме на водопаде» в провинции Туниса Утике.
По приказанию представителей римской династии Антонини с 138 по 180 годы н.э. началось использование мозаики не только для укладки пола, но и для украшения сводов. Прекрасные примеры мозаичных сводов остались в провинции Рима Остии, в термах Антонино в Карфагене. В произведениях предпочтение отдавалось цветочным мотивам, хотя встречались и картины, на которых изображались животные. Полихромия проявилась в работах в III веке н.э. в основном в провинциях, когда в Риме все еще сохранялось доминирование черного и белого цветов.
В Румынии в городе Костанца, что на черноморском побережье, в портовом здании, пол одного из складских помещений украшает одно из самых больших мозаичных панно, сохранившихся до наших дней. Площадь панно около 600 квадратных метров, его украшают геометрические фигуры и цветочные элементы, сделанные из известняковых пород. В большом центральном круге размещены фигуры ваз, листьев и эмблем, переплетающихся с канатами и фестонами. По периметру зала выложена широкая декоративная лента из мозаики.
Во второй половине III века н.э. произошла настоящая эволюция в рисунке мозаики: цветная мозаика вытеснила белую и черную уже во всех провинциях Римской Империи. В III- IV веках более сложные сюжеты в мозаике стали появляться в произведениях города Акуилеи, в Германии (цирковые игры), в Венне (деревенский календарь) и в Лионе.
Мозаика, так полюбившаяся римлянам, стала не менее популярной и в провинциях Империи. По всей Европе сейчас разбросано множество примеров тому. Мозаики в окрестностях Барселоны и Мадрида, виллы Тасса дель Мар. В Галии на северный и южный стили оказала влияние рейнская культура с одной стороны, и итальянская и африканская культура с другой стороны. В Австрии мозаикой отделаны виллы и термы. В тот же период появились мозаичные произведения в Эфесе, Месопотамии, Сирии и Палестине, в Баальбеке, на вилле Константина в Антиохии.
Настенные мозаичные панно начали укладывать еще в античные времена в Помпеях (ниша фонтана), в Эрколано (часть стены фасада одного из садов города), на вилле Адриана в Тиволи, в термах III века и в провинции Остия. Одна из особенностей такой мозаики заключалась в том, что для работы использовались полудрагоценные камни, придававшие особенные цвета мозаике, которые мрамор и стекло не могли дать.
Глава 5. Мозаика в христианском искусстве.
Уже в первые века появления христианства мозаику использовали для украшения церквей. Христиане стали украшать церкви мозаикой, чтобы придать официальности этим монументальным произведениям архитектуры.
Быстрое развитие раннехристианской эпохи дало новые возможности этому искусству: настенная мозаика больших пропорций относится к этому периоду. Из-за формы конструкций появились новые проблемы, так как в них были не только плоские поверхности как в прошлом, но появились апсиды- изогнутые полусферы. В некоторых зданиях недостаток света, исходившего из вертикальных отверстий, заставлял прибегать к мозаичной отделке, так как ее блестящие элементы давала дополнительный свет. В IV веке украшение апсид стало более богатым в смысле насыщенность образов, так как был широко распространен культ святых и реликвий; рядом с величественной фигурой Христа размещались фигуры апостолов и святых.
Широкое использование мозаики в отделке храмов и церквей также объясняется тем, что в аппарате священников в первые века христианства преобладали представители Рима, Равенны, Венеции, городов, в которых в искусстве господствовала мозаика.
Глава 6. Мозаика в Аквилеи.
Картины «священной ловли рыб» появились на заре христианства: они представляли известный рассказ из Евангелие от Луки о речи Господней у озера Геннисаретского. Слово рыба в греческом языке звучала как ICHTHYS, акростих, составленный из этого слова, имеет следующий смысл: Иисус Христос, Спаситель, сын Божий (Iesous Christos Theou huios Soter). Поэтому издревле рыба являлась символом христианской веры. Этим объясняется многочисленность картин, в которых присутствовали образы рыб. Больше всего сцены водного мира на стенах и полах церквей изображались в эпоху раннего христианства, в начале правления Константина.
Акуилеа сохранила античную мозаику с красноречивой сценой в Соборе города. Эта яркая картина восходит к временам правления епископа Теодора, когда Венеция была на пике своего великолепия. Мозаика была создана в 314 году, к ее исполнению приложили свою руку верующие. Как и в других работах этого периода, можно заметить, что «рыбная ловля»- символ христианской культуры, переплетается с языческими мотивами. Крылатые мальчики напоминают больше Амурчиков, чем ангелочков из христианской традиции.
Еще один библейский эпизод «Иоана и кит» имеет более аккуратные очертания и выполнен в ярких красках. Если говорить о манере исполнения этого произведения, то следует отметить тот факт, что определить принадлежит ли работа кисти одного художники или нескольких, очень сложно. Картина наполнена экспрессией и разными стилями техники. Элементы мозаики в морских фигурах имеют достаточно большой размер и распределены неравномерно, фигурки ангелочков выполнены и мелких кусочков мозаики, расставленных четко одна подле другой. Идентифицировать положение животных, изображенных на картине, таких как птицы, тяжело, так как перспектива соблюдена не верно, так что не возможно понять находятся они в воде или вне ее. Это говорит о том, что данная работа была доверена младшим художникам, которые видели композицию простой и не хотели тратить на нее большие ресурсы. В этой работе использованы разные тенденции: одни фигуры выполнены гармонично, из кусочков аккуратно составленных, другие же исполнены в хаотичном порядке. Это огромная композиция, состоящая из сцен рыбной ловли, а также изображений животных и растений, расположенных в восьмиугольниках, по периметру отделанных разноцветными полосами, и украшенных символами. Это одна из наиболее ярких мозаичных картин IV века.
Глава 7. Мозаика в Равенне.
Знаменитые мозаики Мавзолея Галлы Плацидии в Равенне восходят к 430 году н.э. Они сохранились в превосходном состоянии так, что их структуры легко изучать. Основной цвет фона- голубой, напоминающий лазурит. На нем четко выделяются фигуры белые и светлых оттенков. Элементы, составляющие картину, однородные по форме и размеру. Используемые материалы: мрамор, стекло и золото. Однако золото использовали редко, лишь для выделения важных элементов, придания роскоши одеждам на картине или для выделения фигурных рамок. Также в золоте выполняли евангелистские символы и звезды на куполах. Мастера часто варьировали наклон мозаичных элементов так, чтобы на составленных кусочках играл свет, проникающий через узкие оконца. Такая игра придавала загадочности картинам. Основой пейзажа, изображенного на картине, являются растения, на которых изображены золотые фигуры оленей, которые идут к источнику. Менее заметной здесь является мозаика люнета «Добрый пастырь», так как на ней изображено слишком большое количество зелени, растении. Но и она является особенной- фактура в ней очень деликатная, и композиция насыщенна, что радует глаз.
В базилике Сант Аполлинаре Нуово- в другом знаменитом здании Равенны- мозаичные панно принадлежат VI веку, когда арийская церковь стала католической. Мозаика этой базилики делится на три эпизода: чудеса Христовы, страсти Христовы и святые и пророки. Эпизоды различаются по манеры выполнения и стилю: большая зона между арками и окнами, пространство между окон, зоны над окнами. Слева представлена картина, посвященная 22 девам с волхвами, находящимся перед троном Девы Марии. Справа- картина, посвященная 26 мученикам, идущим за Святым Мартином, в направлении трона Христова. В этих мозаиках находят черты стиля как римско-эллинистического, так и византийского. Базилика в переходе от арийского к католическому культу пережила большое количество реставраций и изменений. В исполнении этой базилики примечателен контраст между ослепляющим золотым фоном мозаики и белыми одеждами фигур, изображенных на нем: простыми у мучеников и расшитыми драгоценными камнями у святых. На мозаике также изображен живой мир: животные и различные растения того времени. Выполнена она из мрамора и разноцветного стекла.
Другая известная мозаика Равенны находится в базилике Святого Витале, принадлежит периоду 546- 548 годов. В изображении фигур используется камень для придания монументальности и неподвижности.
Абсида пресбитерия базилики исполнена различными цветами и сверкающими элементами: золото, драгоценные камни. Все сверкает: капители, арки, люнеты. Почти вся композиция, за небольшим исключением, выполнена из однокалиберных четырехугольников. Центральное значение имеют иллюстрация жертвоприношения Исаака, гостеприимство Абрама, лик Христа, апостолов. Как и в других больших храмах, эта мозаика несет в своей композиции и изображениях повествовательный теологический характер, побуждающий верующих задуматься о тайнах религии.
Мозаика уже координально отличается от романской мозаики Остии. Мозаика становится гимном веры, она имеет не простую символику, а исполнена возвышенными сюжетами. Мастера пытались изобразить сюжеты со святыми не по заказу клиента, а исходя из своего профессионального видения.
Шедевры мозаичного искусства Равенны не заканчиваются на перечисленных выше. Знаменитые мозаики украшают собой: Ортодоксальный Баптистерий, Арианский Баптистерий, колокольню архиепископа.
Вся мозаика Равенны V и VI веков представляют большой интерес, так как в них удивительным образом сочетается влияние римской, варварской и восточной культур. Восточное искусство ассимилировалось в латинской культуре. Получила развитие местная школа живописи, работавшая с мозаикой, которая дала жизнь новому виду искусства.
В Равенне, во время окончания строительства пресбитерия базилики Сан Витале, в 549 году была освящена новая церковь: Сант Аполлинаре ин Классе. Эта церковь исполнена в византийском стиле, большое впечатление производят мозаика, украшающая абсиды помещения. Под центральным крестом, возвышающимся над зоной абсид, выделяется фигура святого Аполлинаре, первого епископа города. Он одет в священное облачение и окружен двенадцатью овечками, символизирующими верующих, служащих святому пастору. Это последняя из византийских мозаик города. Она перекликается с мозаичными украшениями собора Паренцо в Триесте ( вторая половина IV века) с теми, на которых изображена Дева Мария с младенцем, два ангела и три святых, подносящих корону ( в Салониках таким же образом украшена ротонда церкви Святого Георгия).
Остальные мозаики Равенны были потеряны: мозаики старинного собора Урсина, церкви Сан Джованни Эвангелиста, церкви Сан Кроче, Сан Мариа Маджоре, Сан Агата.
Глава 8. Мозаика в Венеции.
В Венеции в базилике Сан Марко самое редкое убранство, наполненное таинственностью. С XI по XIV века стилистическая зависимость от византийских моделей была очевидна. Все произведения этого времени отличаются многоцветием, использованием золотого фона для картин, обрамленных гладкими блестящими элементами.
Работа начиналась с наложения штукатурки. На первый слой штукатурки наносили эскиз сюжета картины, на второй слой штукатурки, выполненный из мраморной крошки и извести, полученной из крошки гальки, выкладывалась мастером и его помощниками разноцветная мозаика в соответствии с рисунком.
В период появления больших мозаичных работ, мозаика считалась спонтанным искусством, вне техники ремесленников, которая со временем пришла в упадок.
Говоря о стилистической эволюции, произошедшей в Венеции в конце XIII века, следует отметить, что формы византийского стиля переведенные в рамки экспрессивного выражения предрекли появление новой школы мозаики.
Теперь находясь в базилике, появляется ощущение духа сицилийской церкви. Грандиозные золотые фоны внушают чувство восхищения. В базилике Сан Марко нет единства стиля, напротив разнообразие форм и манеры исполнения оставляют в замешательстве критиков. Там можно найти античные мозаики и достаточно новые, проведенные за все время существования реставрации изменили световые эффекты и изображения.
В базилике Сан Марко изображения в атриуме менее ухоженные по сравнению с теми, что в сицилийских церквях, за счет масштаба и расположения мозаичных элементов и построения сюжета. Внутри же, наоборот, в сценах похищения реликвий из Александрии проведена более внимательная работа: мозаичные элементы более мелкие и общий результат лучше.
Мозаика «два ангела» над дверью в «Сокровищницу» была сделана в 1231 году; внутри базилики в 1275 году у левой двери от атриума была размещена мозаика, на которой изображены бронзовые лошади, привезенные из Константинополя в 1205 году и установленные на фасаде. В 1343- 1354 году были положены мозаики в баптистерии и в 1355 году была закончена отделка купола Сан Исидоро. Мозаика, изображающая ряд историй с Девой Марией и детство Христа были плодом грандиозной реставрации.
Среди мозаики Сан Марко есть работы, принадлежащие руке мастеров, а также работы их помощников. Одним и тем же мастером были написаны такие картины, как «Искушения Христа», расположенная с правой стороны от Палатинской капеллы и от мозаики Дафни, исполненная в византийском стиле; картина «Вознесение Христа», находящаяся на центральном куполе, в ней прослеживаются византийские мотивы; этому же мастеру принадлежит картина «Страсти Христовы», расположенная в соседней арке. Если изучить мозаики базилики Сан Паоло в Риме, внутреннее убранство которой оформлено венецианскими мастерами, то можно сделать вывод, что мозаики базилики Сан Марко были сделаны в период с конца XII до начала XIIIвеков.
Другому мастеру принадлежит мозаика «Молитва в Гефсиманском саду», отличающаяся своим темпераментом от других картин византийского стиля. Следующий мастер, творивший в этой базилике примерно в начале XIII века, работал с иконами. Он первым стал использовать орнаменты в своих произведениях и стал уделять больше внимания цветам фонов, стал изображать фигуры в более современном византийском стиле.
Во второй половине XIV века в венецианской культуре и искусстве появились новые веяния, введенные дожем Паоло Венециано, которому удалось воплотить свои идеи. Мозаика, веками считавшаяся триумфом формы, манеры исполнения и духа Византии, должна была смениться другими направлениями и стилями в Венеции, как это случилось в других частях Италии. Мозаика Сан Марко прекрасно отражает восточный стиль и показывает то, что было достигнуто в этом направлении.
Техника исполнения этого периода была почти всегда однородна. Некоторые части мозаичных панно выполняли из мелких элементов, когда такие части, как фон, орнаменты и силуэты были выложены большими элементами, одинаковой формы.
В окрестностях Венеции ярко выраженный византийский стиль мозаики принадлежит XII веку, примеры сохранились в часовне Капелла ди Сакраменто, в соборе Санта Мария и Донато, в Мурано, на абсидах часовни Сакраменто в соборе Торчелло. В конце XIII века, когда в искусстве мозаики, особенно в регионе Тосканы, превалировала живопись на холсте, доске, а также на штукатурке, мастера стали переезжать в Рим и Флоренцию.
На севере, в первую очередь в Милане, в первой половине V века были и другие известные произведения мозаичного искусства, среди которых мозаика Сан Акуилино в базилики Сан Лоренцо, мозаики часовни Сан Витторе ин Чиел д’оро в комплексе базилики Сан Амброджо.
Глава 9. Мозаика во Флоренции.
Одним из главных циклов мозаичного искусства Тосканы стало декорирование Баптистерия Сан Джованни во Флоренции. Выдающимися ученными в истории искусства были определены авторы работ в этом Баптистерии. В XVI веке известный итальянский архитектор Джорджио Вазари утверждал, что там работали Аполлоний грек и флорентийский живописей Андреа Тафи, его ученик. Ранее живописец Пьетро Тоэска дополнил несколькими элементами работу флорентийског живописца Чимабуэ. На одной из апсидных мозаик сохранилась надпись о том, что работа была начата в 1225 году Джакопо Торрити и закончена в III квартале следующего века. Среди известных зодчих, работавших в Баптистерии Сан Джованнии, значатся живописец Паатц, Гаддо Гидди. Центральная мозаика начинается на восьмиугольном куполе и заканчивается грандиозным изображением Спасителя в апсиде. От тамбура к хоровым трибунам располагаются фигуры патриархов, пророков, диаконов и священников. Арка прямоугольной апсиды отличается от мозаики остального пространства Баптистерия. Фигуры здесь расположены так, что расстояние, соблюденное между ними, создает чувство легкости, в отличие от нагроможденной композиции купола. Некоторые искусствоведы утверждают, что такая система расположения является отличительной чертой венецианского стиля, другие говорят, что это след римской школы.
Композиция была тщательно исследована. На картине изображена большая фигура Иоанна Крестителя, с другой стороны фигуру Девы Марии украшают орнамент из разноцветных листьев, расположенный на золотом фоне. Вокруг них изображены приклоняющие колени ангелы, птицы и олени, утоляющие жажду водой, льющейся из сосудов. Восемь изображений: Авраам, Моисей, Исайя, Иеремия, Иезекииль, Даниил, Иаков, Исаак - исполнены в широкой цветовой гамме.
Эта часть мозаики отличается от всей остальной своей концепцией расположения фигур. Последовательность, с которой фигуры расположены в круге, выстроена по римскому стилю. Также декоративные элементы уникальны, так как больше не повторяются в других мозаиках. Техника выполнения работы особенная: все элементы расположены в четком порядке, они имеют одинаковую квадратную форму, все они уложены в центральный круг апсиды. Несмотря на проведенные реставрации, достаточно легко идентифицировать аутентичные части картины.
Купол Баптистерия полностью покрыт мозаичным панно, на котором изображена серия историй, расположенных на разных уровнях и разделенных горизонтальными линиями. Начиная сверху, располагается декоративный орнамент, под которым изображен Иисус Христос в окружении ангелов, затем идет ряд библейских сюжетов из Книги Бытия и предания Иосифа. Далее следует череда историй жизни Иисуса. Венчают серию историй эпизоды из жизни Иоанна Крестителя. Панно относится к первой половине XIII века, принадлежит руке венецианских мастеров.
В Баптистерии проводились обширные реставрации. Первые реставрации были проведены в период с 1343 по 1412 годы: была переделана картина Захарии д’Андреа, Филиппо ди Корсо, Донато ди Донато. В конце XV века реставрации подверглась картина Балдовенетти. Техника применялась разная. Помимо прочего использовались даже окрашенные мозаичные элементы. Живописец Пьетро Тоэска с 1898 по 1907 годы проводил реставрацию панно на мотивы: сцена братоубийства Каина, явление Бога Ною. Работы в этот период проводились под эгидой Музея Опера дель Дуомо: массивные реставрационные работы были возложены на Музей Опифичио делле Пьетре Дуре, сначала под руководством Маркьионни, позже работой руководил Орландини.
Даже если иногда не представляется возможным определить мастера, создавшего мозаичное панно, в мозаике можно прочесть особенности, которые знакомят нас со вкусом и манерой исполнения эпохи. Отличительными чертами эпохи в мозаике являются форма, качество и смеси, использованные для ее укладки. Реставратор не должен пренебрегать особенностями техники, в которой исполнена картина, и придаваться глубинным фантазиям, иначе он рискует нарушить историческое восприятие картины. Во флорентийском Баптистерии, как и во многих других подобных местах, проводилось множество реставрационных и восстановительных работ, поврежденных временем фрагментов. Не обходилось и без рекомендаций ответственным лицам начинать реставрационные работы до того, как наследие станет неподлежащим восстановлению.
Библейские сюжеты Книги Бытия и предания Иосифа имеют характерные отличительные черты в исполнении этих мозаик. Разной была экспрессия в лицах, отношениях. Раскрываются эти особенность больше всего в образе Христа, в жесте благословления (соединенные большой и безымянный пальцы), фигуры толпящихся (такие как животные перед входом в арку). На некоторых картинах расположение и форма мозаичных элементов полностью различна. А картина Страшного суда- совершенно иная; большинство фигур греческого типа изображения: по изображению складок на одежде, изображению лица, волос и бороды. Даже крылья ангелов, форма и цвета растений такие же, как изображали греки. В некоторых частях остались фрагменты, выполненные в технике opus tessellatum, также остались картины в технике opus vermiculatum: тончайшая работа над группой из трех патриархов совершенно отличается от других работ. Лик Спасителя- с большим нимбом сзади- напоминает аналогичные сицилийские фигуры, в то время как ослепительные цвета персонажей и мельчайшие детали, которые создают эффект дробления элементов, указывают на венецианскую технику.
Во Флоренции издавна ценят Баптистерий Сан Джованни. Изначально, декоративные элементы были выполнены в мозаике, так как она придавала ощущение величественности и могла противостоять разрушительному действию времени. Реставрационные работы проводили, в первую очередь, учитывая намерения мастеров, создававших мозаичные картины. Следует отметить, что флорентийцы во все времена стремились передать навыки и знания в искусстве, которые определили их особенный стиль. Баптистерий является уникальным монументом в истории искусства. Его мозаики являются шедеврами искусства как с точки зрения ценности изображения, так и подтверждения стремления граждан утвердить свою систему мозаичной живописи, которая не имела бы аналогов.
Другой известной, хотя и более скромной, работой является мозаика апсид базилики Сан Миниато аль Монте, датируемая 1297 годом. Эта картина на золотом фоне имеет характерные черты греческого и византийского стиля. Христос Вседержитель восседает на богатом троне; с двух сторон от него стоят Дева и держатель базилики, святой Миниато, изображенный в легендарной истории произведения в сан короля Армении, в акте коронования. Ниже картину завершают символы четырех евангелистов исполненные в многообразной цветовой гамме. Фигуры людей облачены в дорогие одежды, сверкающие золотом. Интересно изображена растительность, представленная необычными формами и дополненная экзотическими птицами (некоторые из них имеют четкие теологические черты). Композиция почти вся составлена с применением блестящего разноцветного стекла: зеленого, красного, серого, голубого и золотого цветов,- элементы из которого грубо обработаны в некоторых местах. Имя автора шедевра неизвестно, но речь идет о большом мастере, который отразил в своей картине познания в теологии и показа виртуозное мастерство. Это был конец XIII века, когда во Флоренции уже можно было любоваться шедеврами великих художников фрески. Мозаика пыталась затмить фреску своими сценами, изобилующими персонажами и фигурами, расположенными на всем пространстве. Где ставили надписи или сокращения, чтобы подчеркнуть смысл изображаемого на картине рассказа.
В Сан Миниато внутренний край свода арки украшен лентой с изображениями фигур святых, также на золотом фоне в разнообразии цветовой палитры, чередующихся с витиеватыми орнаментами, птицами, головами крылатых ангелов с ореолом. Над головой Христа, окруженной крестообразным ореолом из четырех стеклянных полусфер, появляется в круге Святой Дух в виде голубя. Все это заключено в грандиозную архитектурную гамму мраморных вставок из бело-зеленого мрамора, обрамляющих окна, из которых в базилику проникают тонкие лучи солнца, пропущенные через резные алебастровые плиты, окрашивающиеся в розовый цвет на восходе солнца. Архитектура и мозаика сливаются воедино так, что эффект от одного дополняется другим. В отличие от настенной живописи фрески, темперы и энкаустики, мозаика имеет иную ценность. Она по сути является архитектурным дополнением. Мозаика также как камень является облицовкой стен и имеет такую же выразительную силу, как и весь монументальный комплекс, чего не достигается другими видами живописи.
Кроме флорентийских экземпляров мозаичного искусства в Тоскане находятся и другие важные примеры в Соборе Пизы и города Лукка. Следует отметить, что в этих произведениях наряду с византийскими элементами присутствует местный стиль, влияние на который оказал римский и готический стили.
Глава 10. Мозаика в Риме.
Среди наиболее древних римских мозаик выделяются, прежде всего, мозаики базилик Санта Костанца и Санта Пуденциана и неф базилики Санта Мария Маджоре (V век).
Базалика Санта Костанца представляет собой элегантное сооружение с цветочными орнаментами, находится вблизи города Санта Аньезе на улице Номентана. Базилика относится к IV веку и демонстрирует как мозаика (языческое искусство) адаптируется к новым веяниям христианской церкви, иногда прибегая к изначальному изображению фигур.
Настенные декоративные элементы здания остаются теми же, на белом фоне, языческие символы, присутствовавшие раньше в напольной римской живописи и тематической живописи (амуры, птицы, рога, зеркала, буйволы с повозками). Они появляются на картинах среди символов веры. В определенное время считалось, что здание может служить храмом в честь божества Вакха. По определенным причинам такие храмы стали нести другую функцию и вплоть до конца XVII века использовались в светских целях (так среди прочего, их использовали как место для собраний голландских художников в Риме).
В базилике Санта Пунденциана, на улице Урбана в районе Эскуилино, находятся более древние мозаики конца IV века, к сожалению, подвергшиеся изменению и реставрации в XVI веке. Эти мозаики имеют четкое христианское происхождение и далеки от языческих моделей. Здесь совершенно другая концепция, отличающаяся от манеры присущей мозаике базилики Санта Костанца. Эти мозаики специалисты относят к 384- 398 годам. Несмотря на то, что мозаики базилики пережили много реставрационных работ, они сохранили свой первоначальный характер. Они олицетворяют мозаику христианского Рима. Работы высокого уровня, принадлежат мастерам, которые очевидно уже работали с языческими композициями. Главная мозаика располагается в верхней части абсиды базилики и показывает Христа триумфатора в окружении святой Пракседы и святой Пуденциане. Святые были сестрами, дочери сенатора Пуденцио, который принимал у себя святого Петра. Апостол крестил сенатора, его отца и братьев Новато и Тимотео, 90 слуг при его доме. Семья умерла мученическою смертью и место, где они жили, было освящено в середине II века папой Пием I. На этом же месте была возведена церковь, пережившая изменения в период с IV по VIII века, сейчас же она представляет собой перестроенную в 1598 году кардиналом Каетани базилику. Мозаика выражает благоговение верующих перед этими святыми (представленными величественно по сравнению с остальными персонажами).
В верхней части свода возвышается вместе с четырьмя грандиозными символами христианской веры Евангелистами триумфальный крест на панораме храмов. Христос благословляющий всех с трона, с одной стороны от него святая Пуденциана (которая держит над головой святого Петра мученический венец), с другой святая Пракседе (держащая мученический венец над головой сенатора Пуденцио). Заканчивают пейзаж бесчисленные фигуры, среди которых братья Новато и Тимотео. Это античный и значимый пример: зарождающееся христианское искусство осталось здесь, как важный знак того времени. Типичные фигуры римского стиля, кажутся расположенными не на одном плане, а в перспективе. Каждая из фигур имеет свое отличительное выражение, индивидуальность в отличие от однотипных мозаик этого времени.
Свидетельством декоративного искусства V века остается только фасадная мозаика базилики Санта Сабина, расположенная над входом. В Латеранском баптистерии имеются мозаики VI века, в базилике Сан Паоло в Остии триумфальную арку украшает мозаика относящаяся к 440- 450 годам. Античная мозаика фасада базилики Сан Пьетро была реконструирована при Грегорьо IX (1227- 1241). Мозаики базилик Сант Агата дей Готи и Сант Андреа ин Катабарбара потеряны (в первой базилике мозаика была выполнена в период с 470 по 472 годы). Мозаика церкви Сан Теодоро принадлежит к периоду времени предшествующему времена Святых Косма и Домиани.
Расскажем вкратце о работах двух мастеров, оставивших мозаики большого значения для истории этого искусства: Торрити и Каваллини.
В Риме в XIV веке фигура Торрити занимала важное положение, но до наших дней дошли немногие его произведения. Вместе с Джакопо да Камерино он начал большую мозаику апсиды базилики Сан Джованни в Латерано под руководством Николо IV (1288- 1292) и закончил ее в начале XIV веке. Позже в 1307 году были закончены шесть композиций, расположенных между оконными отверстиями базилики, на следующие сюжеты: Очищение святой Анны, Рождение, Смерть Богородицы, Поклонение волхвов, Очищение Марии, Симеон. Мозаика была полностью снята и реставрирована в 1875- 1876 годах. От Торрити в Риме осталась лишь один достоверный шедевр: мозаика апсид в соборе Санта Мария Маджоре 1295 года. Эта работа исполнена торжественностью, отличающей ее от античных шедевров. Фигуры расставлены по принципам венецианско-византийской академии.
Торрити был современником Пьетро Каваллини: от Каваллини осталось множество работ, по которым легко определить выразительные качества присущие работам мастера. В 1273 году им был подписан нотариальный документ подтверждающий, что Пьетро дей Черони, принадлежавший к древнему римскому роду, с этого момента будет носить псевдоним Каваллини. Ему приписывают работу над мозаиками нижней части апсид в базилике Санта Мария в районе Трастевере (около 1291 года), состоящая из шести квадратов с изображениями сцен из жизни Мадонны и в центре находится изображение Девы Марии в окружении святых Петра и Павла. Также фасад базилики украшен мозаикой Каваллини, сделанной по поручению папы Джованни XXII. Художники и мастера фрески выражают в своих работах аналогичные характеристики. Мозаику базилики Санта Мария в Трастевере можно сравнить с мозаикой Торрити в Санта Мария Маджоре. Обе мозаики отражают один и тот же стиль в изобразительном искусстве. У Каваллини отчетливо выражено влияние эллинистической культуры, наложенное на римскую школу изобразительного искусства и высокий личный артистизм. В его мозаичных панно выражены традиции византийской культуры: они соединяют в себе язык восточной культуры, сентиментальность и персональный стиль мастера.
Многие критики установили взаимосвязь между Каваллини и Джотто и пришли к разным заключениям. Некоторые считают, что Каваллини был учеником Джотто. Его манере исполнения мозаичных картин с яркими и живописными эффектами в стиле фрески является зачатком декаданса. Эта техника отделила Джотто от принципов живописи тосканских художников.
Известная мозаика средневекового Рима, вызвавшая много споров, принадлежит Джотто. Она находится на входе внутри дворца в Ватикане. Она была выложена в 1610 году и реставрирована в 1618 под руководством Марчелло Провенцале. Вновь мозаика была реставрирована в 1675 году под руководством Винченцо Маненти, сейчас ее основные фрагменты полностью переделаны. В этой картине мастер стремился достичь эффекта фрески, что было также присуще работам Каваллини. Эта техника отличается выразительностью, используемыми материалами, выраженными штрихами. Этого достаточно, чтобы объяснить главную идею работы в технике мозаики в целом, объяснить то, как великие мастера пришли к этому виду искусства в поиске большей выразительности. С этого момента, можно сказать, золотая эпоха мозаичного искусства прекратилась. Не смотря на то, что время от времени продолжали появляться великие работы в технике мозаики начиная с самого последователя и современника Каваллини, Филиппо Рузути (XIII-XIV века). Известно лишь одно произведение Рузути. Оно находится на фасаде собора Санта Мария Маджоре. Итак, мы находимся в эпохе Ренессанса, где мозаика уступает свое место фреске.
Глава 11. Косматеско.
Косматеско - это декоративный стиль в мозаичном искусстве, отличающийся от других своей техникой исполнения. Происхождение данного стиля восходит к XII веку. В основе стиля косматеско лежат арабские модели мозаичного декорирования, наиболее распространенные в районе острова Сицилия. Отличительной чертой этого стиля являются геометрические фигуры ярких цветов. Стиль косматеско находит множество применений в украшении поверхностей. Он подходит как для декорирования поверхности пола, так и для частичного декорирования таких архитектурных деталей, как шатры храмов и башен, дверных проемов, архитравов.
Работа в этом стиле требует не только большого таланта, но и терпения. Ведь орнаменты, выполненные в косматеско, состоят из множества мелких треугольных или квадратных элементов, бесконечно повторяющихся в разнообразных композициях. Для работ использовались такие материалы, как стекло, красный горный порфир, зеленый горный серпентинит, белый мрамор (иногда применялся разноцветный), также иногда использовались твердые породы камней.
Название этого стиля произошло от имени знаменитой флорентийской династии архитекторов-декораторов, которые занимались строительством зданий и украшали церкви и их внутренние дворики. Термин косматеско является производным от имени одного из ярких представителей этой династии Косма ди Якопо. Родоначальником этого декоративного стиля считается Лоренцо ди Тебальдо (1170-1240), отец Якопо ди Лоренцо и дед Косма ди Якопо (1260- 1320).
Благодаря мастерству этого семейства было украшено множество соборов и церквей. Работе этих архитекторов, продлившейся в общем два века, обязаны интерьеры величайших базилик Рима, монастырские дворики Сан Паоло Брешиа, базилика Сан Лоренцо-фуори-ле-Мура, базилика Сан Джованни в Латерано, небольших церквей в регионах Лацио, Марке, Абруццо, Умбрии и в Риме. Все эти архитектурные сооружения украшены знаменитейшими орнаментами, выполненными с изысканным вкусом, которые можно отнести к технике opus tessulare.
В композициях данного стиля используется также сусальное золото для украшения линий, образующихся между элементами. Так на всем декоративном элементе появляются яркие акценты, и он становится более богатым.
Знаменитые образцы этого типа мозаики сохранились в соборах Санта Мария-ин-Арачели и в Санта Мария-ин-Космедин. В этом же стиле украшены портики базилики Сан-Томмазо-ин-Формис и церкви Сан-Антонио; кроме того, в стиле косматеско исполнен дворик монастыря Сассовиво близ Фолиньо. К более поздним работам в этом стиле относятся площадка перед алтарем (амвон) в соборе Капуа, амвон в Террачине и украшение собора в Сесса-Аурунка, амвоны собора в Салерно. Другие образцы сохранились также в коммуне Кава-де-Тиррени близ города Салерно и в различных других местах. Такое изобилие декоративных элементов указывает на то, что в мозаичном искусстве того периода отмечалась тенденция к избыточному заполнению художественных произведений деталями.
Отделка в этом стиле пользовалась популярностью и за пределами Италии. Среди наиболее известных произведений - алтарь в Вестминстерском аббатстве, исполненный архитекторами Пьетро и Одерисио (вторая половина XIII века).
Глава 12. Техника «Интарсио» и «Тарсиа».
Все упоминания этих техник, до сих пор использованные, базируются по существу на технико-конструктивных критериях. Следует понять причины, по которым этим техникам были даны такие названия. В соответствии с нашей интерпретацией «интарсио» (итал. «intarsio») отличается от мозаики тем, что имеет корпус, что составляет необходимую базу для него. Мозаика же, наоборот, считается простым инкрустированием элементов, вид ее основы не важен, она даже может иметь отличный от декоративной части состав, как на полу, так и на стенах, как на сводах, так и на потолке, и в особенности в переносных композициях. В технике интарсио какой бы ни был материал, из которого составлено произведение (дерево, слоновая кость, металл или каменный материал), необходимо в зависимости от используемого материала выполнить травление или вырезание поверхности основы в соответствии с задуманным рисунком и затем вставить в полученные отверстия используемый для работы материал, предварительно отполированный и откалиброванный в соответствии с размерами отверстий основы.
Техника состоит в следующем: вначале подготавливают так называемый корпус или пустое отверстие для укладки. Отверстие смазывают клеящим веществом или цементом. Затем вводят в него цветной элемент, предварительно подготовленный и вырезанный в соответствии с размерами периметра углубления, таким образом, чтобы он полностью подошел размерам отверстия и чтобы стыки были как можно менее заметными. Выравнивание и полировка являются финальными работами. Очень важно, чтобы боковые стенки элемента, даже если они очень тонкие, не были выровнены с внешней поверхностью, а наклонены вовнутрь таким образом, чтобы можно было поправить элемент и зафиксировать его.
Упомянутая техника интарсио выполняется в мраморе или твердых породах камня, исключая возможность использования любого другого материала. Рассмотрим технику интарсио применяемую к неподвижным и подвижным архитектурным элементам. Прежде всего, сравним два понятия в искусстве «интарсио» и «тарсиа». В первую очередь следует сказать, что слова являются синонимами (с арабского тарси (tarsi), произошедшего от раса (rassa), глагол интарсьяре (intarsiare): соединение). Здесь сокрыты лингвистические тонкости: мы полагаем, что значение слова «тарсиа» может отличаться от «интарсио». Техника тарсиа может быть определена по ее дословному значению также как комбинация, полученная из мраморных элементов, вырезанных по заранее составленному рисунку или контуру, но не вставленных в отверстия. Приставка ин- (in-), с латыни переводится как «в помещении, внутри, плоскость или глубина», завершает идею того, что обозначает существительное «интарсио». Интарсио делают из материала отличного от того, в отверстие, проделанное с помощью скальпеля или другого подходящего инструмента, которого вставляют элемент. Интарсио принадлежит к категории декоративных элементов, сделанных с применением различных материалов, которые используют для укладки, вставки, насечки, гравировки, оправы. Существуют мозаики, вставленные в мраморные поверхности, которые одновременно являются и мозаиками, и интарсио. Те произведения, которые считаются чистым интарсио, не включают в себя такой декоративный элемент, как мозаика. Чистое интарсио представляет собой заполненные пустоты в поверхности, которая сохраняет свою сущность и не служит инертной и инородной опорой, как в мозаике, а скорее является цельным эстетически приятным изображением.
Интарсио, в отличии от мозаики,- подвержен эффектам светотени и движению поверхности, появляющемуся из-за игры элементов- это всегда произведение раздробленное и плоское, и именно поэтому оно производит колоссальное впечатление.
Интарсио также как и мозаика очень древнее искусство. Самые древние примеры искусства интарсио были найдены в Египте и восходят к временам правления I династии, это шкатулки декорированные деревом и слоновой костью.
В том же периоде, а именно около III тысячелетие до н.э., подобное декорирование встречается очень часто в архитектуре в виде частей твердых парод камней и ракушек, зафиксированных с помощью смеси битума. Малая Азия был центром производства. Даже знамя территории Ур, которое кажется одним из видов интарсио, на самом деле на наш взгляд является примером мозаики.
Для работ в технике интарсио также использовали стекла, которые давали прозрачность и яркие краски. Из такого материала уже в первой половине II тысячелетия до н.э. делали маленькие панели, которые находили вплоть до периода Птолемеев, т.е. до II-I века до н.э. На Крите в золотой век этого искусства одним из украшений статуэтки был интарсио разных материалов (горный хрусталь, дерево, жемчуг и драгоценные металлы). Этому же периоду принадлежат огромные декоративные элементы из алебастра на фасадах и внутри дворцов.
Интарсио можно считать побочным проявлением мозаики: особенно в напольных покрытиях каркас из строительной смеси, которые вместе с глиняной крошкой могли быть видны, а поверх украшения из различных материалов и всегда фрагменты мрамора. Отсюда появился термин pavimentum scutulatum, т.е. лепешка (scutulae). Один из таких примеров находится в Афинах в оркестре театра Диониса.
Тяжело определить как происхождение интарсио, так и точную дату его появления. В рассматриваемый период многие здания имели декоративные элементы из разноцветного интарсио. Возможно существуют примеры интарсио еще не найденные в Эрколано в Доме с рельефом Ореста или в домах Остии, принадлежащих к более позднему времени. Многие древние авторы называли интарсио opus sectile, хотя более правильное название должно быть opus interrasile (точечная работа), потому что, в общем, состоит во введении тонкой пластины внутрь большой плиты. Интарсио тяжело переделать из декоративного элемента в средство повествования, выражения событий, как это случилось с тарсиа и мозаикой.
Очевидно, что провести границу между мозаикой, тарсиа и интарсои довольно сложно. Есть те, кто определяют интарсио как декоративный элемент, на пример в базилике Джуньо Бассо, которая перестала быть единственным экземпляром такого рода после открытий в окрестностях Остии. В таких работах чувствуется прогресс искусства, который дает нам право говорить о opus sectile: элементы из мрамора, уложенные на землю, но не врезанные в нее, указывают на стремление сложить рисунок с помощью натуральных цветов мрамора.
В Равенне в Ортодоксальном Баптистерии, как и в других памятниках архитектуры этого города, богатого известными произведениями мозаики, есть стены, обработанные в технике интарсио. Декоративные элементы представляют собой лиственные узоры со сложными изгибами, а также есть произведения с простыми геометрическими фигурами: круги, прямоугольники.
Во многих раннехристианских церквях Рима интарсио часто встречается в украшении полов. Примерами тому являются церкви Санто Стефано Ротондо, лютеранский баптистерий, Сан Джорджио аль Велабро, Санта Костанца, Сант Аньезе. В Венеции большая часть полов комплекса Сан Марко украшена интарсио. Можно найти различные мотивы интарсио в работах художников Козмати: тонкие композиции из треугольных элементов, которые должны быть вставлены в углубления, проделанные в поверхности мрамора, чтобы подчеркнуть определенные архитектурные формы или чтобы украсить поверхность пола.
Огромный ковер из мрамора, который покрывает центральный неф Сан Миньято аль Монте во Флоренции, был начат в 1207 году (если верить дате, указанной на первой части картины). Поверхность полностью инкрустирована роскошными орнаментами из белого и изумрудно зеленого мрамора, представленными в виде знаков зодиака, животных и геометрических фигур, расположенных в разных рамках и кругах так, чтобы сформировать очертания звезд, листьев, пальм и кругов, составляющих красивое полотно, которое напоминает вышивку. В интерьере Сан Миньято, на стенах и фасаде развивается живой теологический диалог, в котором использованы образы и символы: подвешенные лампады, теологический образ божественного света, голуби, подсвечники являются символами божественного и человеческого начала Христа. В центре пола расположен огромный круг со знаками зодиака и образ солнца с лучами (вероятно солнечные часы).
Богато украшен фронтон склепа окружностями, напоминающими цветки, в византийской манере. Настолько же богато украшено ограждение хора, сделанное из белого мрамора со вставками из зеленого. Мраморная кафедра является флорентийской скульптурой XIII века (также высеченной и украшенной вставками из мрамора).
Все так же во Флоренции более современная, чем в Сан Миньято, напольная декорация, выполненная теми же художниками, но уже более роскошная, особенно что касается большого зодиакально -часового круг, находится в Баптистерии Сан Джованни. Также одним из прекрасных памятников архитектуры, выполненном в технике интарсио, является базилика Санта Мария Новелла. Здесь, кроме пластин, сделанных в форме прямоугольников из зеленого мрамора, есть маленькие украшения в технике интарсио в центре плит и в больших кругах, на боковых декоративных изгибах, в треугольниках на вершине и во всей нижней части тимпана.
Восточное влияние на тосканскую живопись было сильным, но в столь похожих с первого взгляда вещах существует большая разница. Так мотивы в интарсио отличались от тех, что были присущи украшениям восточных домов.
Следует разделить периоды в истории развития интарсио в мраморе в регионе Тоскана. Первый этап истории начинается во Флоренции с отделки базилики Сан Джованни и продолжается отделкой Сан Миньято аль Монте, затем Бадья Фьезолана и собор Эмполи. Второй период (XII век) включает в себя отделку и внешних частей собора Пизы, собора и церкви Сан Микеле а Лукка и других известных монументов, и инкрустирование церковной мебели в период с XII по XIII века. Третий период ознаменовался следующими памятниками декоративного искусства пол флорентийского баптистерия и базилики Сан Миньято аль Монте, а также декоративный элемент фронтона базилики (XIII век). Работы всех этих периодов раскрывают факт того, что для их выполнения была задействована рабочая сила и репертуар Востока. В четвертом периоде можно сгруппировать все отделочные произведения XIV века, главным образом отделка боковых фасадов и трансепта собора Санта Мария дель Фьоре и его колокольни. Этот вид декоративных элементов, полностью прижился во Флоренции, претерпел изменения в стиле и потерял свои начальные характеристики. Пятая эпоха включает в себя еще более поздние архитектурные композиции такие, как отделка фасада церкви Санта Мария Новелла художником Леон Баттиста Альберти (1470).
Поиск хроматических эффектов в декоративных целях с включением разноцветного мрамора присутствует во многих зданиях позднее романской культуры. В регионе Кампании, Лацио и в южной Италии использовали интарсио в амвонах, купелях, ограждениях.
Во флорентийском Соборе Санта Мария дель Фьоре все огромные входы украшены тончайшими элементами в технике интарсио. Кроме входов в подобной технике украшено и все остальное пространство здания, множество разнообразных рисунков разбросано по всей поверхности, даже на самых высоких частях здания, где элементы кажутся почти невидимыми. Здание украшают декоративные элементы в различных вариациях от простых цветочных мотивов до более сложных, венчающих арки: геометрические фигуры, вписанные в круги, сделанные из зеленого и красного мрамора, меняющиеся с цветочными лентами.
Среди зданий юга Италии наиболее ярким примером данного вида декоративного искусства является церковь Санта Мария ди Коллемаджо в Аквиле (1287).
Значимые декоративные элементы в технике тарсиа не из мрамора представлены в Риме, в зале Юстиций в замке Сант Анджело и во Флоренции на первом этаже Палаццо Веккьо и в библиотеке Медичи Лауренциана. Полы библиотеки представляют собой плиты из глины, которой с помощью высокого умения обжига удалось придать различные оттенки.
Настоящий триумф техники тарсиа выражает огромной церкви Чертоза ди Сан Мартино. После Джован Баттиста Дозио (1591) здесь работал Козимо Фанцаго из Бергамо (с 1623 по 1656), которому принадлежит большая часть внутренней отделки. Здесь в украшении напольного покрытия использован один из видов техники тарсиа, который очень близок к мозаике, потому что в нем пользуется хроматическими эффектами мрамора. Это больше чем просто техника кладки по мягким камням, это ковер и прекрасный пример мраморной мозаики. Между одним и другим элементом оставлен неправильный стык, что выражает предпочтения эпохи. Смесь для укладки положена на стяжку пола и полностью закрывает его поверхность. Элементы присоединяются один к другому, чтобы создать один рисунок. А вот подлинный пример интарсио можно найти в этой церкви в большом алтаре, в алтарях боковой часовни и на перилах, опоясывающих пресбитерий (помимо всего прочего на украшениях есть драгоценные и полудраценные камни).
С XVII века декоративное искусство в технике тарсиа и интарсио в мраморе, как украшение стен и полов, приходит в декаданс и развивается в украшении мебели в работах полностью из дерева или же на пластинах из полудрагоценных или твердых камней.
Около XVI века художник Виньола собирал на специальных дощечках картины в технике тарсиа и интарсио из мрамора разных цветов. В тот же период увеличивается вкус к переносным работам. Новый вид искусства приживается в Италии и особенно удачно развивается во Флоренции. Чтобы понять, как к этому пришли в Италии, нужно проанализировать, как тот же процесс проходил в это время в Азии и на Востоке. Вторжения и завоевания оставили отпечаток в искусстве; происходил импорт и экспорт. Индо- исламское влияние заставило ценить великолепие архитектурных построек- дворцы знати вызывают уважение, потому что являются символом власти- также заставило ценить полудрагоценные, разноцветные камни, которые получались сверкающими и чистыми за счет шлифовки и полировки.
В так называемой Красной крепости в Дели, резиденции императора Могулами Шах-Джахана, который правил с 1628 по 1666 годы, построенной из белого мрамора, появляются элементы интарсии, ранее используемые предшественниками, но сделанные заново из разноцветных мягких известняковых пород камня. Интарсио здесь напоминает флорентийскую мозаику, введенную в этих регионах итальянскими и французскими наемными солдатами.
Исследуя декоративные элементы Тадж-Махала, сразу же появляются мысли о флорентийском влиянии. Бросается в глаза манера, с которой исполнены элементы интарсио, и изобилие элементов ярко окрашенных, из яшмы, из агата, из халцедона, из сердолика, из аметиста, из нефрита и бирюзы. А рисунок совершенно не похож на привычные тосканские, и даже не на европейские, у него очевидные восточные мотивы: особенно выполнена угловая укладка листов растений, использованы рисунки экзотических цветов.
Этот краткий очерк о великих произведениях в технике мозаики и технике интарсио служит для того, чтобы понять значимость нового искусства, зародившегося с появлением флорентийской мозаики в твердых камнях, которая была обречена на грандиозное развитие. Проработанная в декоративном смысле и введенная в архитектурную композицию, мраморная мозаика приобрела характеристики техники интарсио и тарсиа. Мозаика достигла такой правдоподобности, какой не могли достигнуть произведения такого рода, выполненные из известняковых мягких пород камня или из тонкого мрамора.